In den Mittelpunkt von „The shape of things” stellt LaBute eine unerhörten Liebesbeziehung und stellt damit die Frage, wie weit man zur Verwirklichung individueller Sehnsüchte gehen darf. In einer modernen Adaption des Pygmalion-Themas formt sich die Kunststudentin Evelyn Ann Thompson (Terri Musson) einen gleichaltrigen Studenten nach ihrem Bilde. Unter ihrem Einfluss wird aus Adam Sorenson (Soane Latimer), dem anglistikstudierenden Nerd, ein gutgekleideter Beau. Eine Verwandlung die auch die Freundschaft von Jenny (Lindsay Konieczny) und Phillip (Will Matthews) gehörig durcheinanderbringt. Der Preis den Adam für die Liebe zu Evelyn zahlen muss wird im Stückverlauf immer höher. Verstörend und bedrohlich steuert die Handlung von „The shape of things“ auf ein Ende mit Schrecken zu, mit dem Evelyn alle Beteiligten inklusive des Publikums schockiert.

Regisseur Michael Dray von „White Horse Theatre“ machte aus dem Stück ein intensives Kammerspiel, dass sich eng an LaButes Textvorlage hält. Die vier Ensemblemitglieder, die allesamt an britischen Schauspielakademien studierten, präsentieren englischsprachiges Sprechtheater, dem man gut folgen kann. Auch wenn es manchmal an szenischen Einfällen fehlt, ist der Theaterabend dank der engagierten Arbeit der Schauspieler atmosphärisch dicht. Terri Musson in der Rolle der attraktiven Femme fatal hält die Fäden in der Hand und bleibt als Evelyn allen intellektuell überlegen. Lindsay Konieczny verkörpert die Jenny als ein harmloses Kleinstadtmäuschen, das der übergriffigen Evelyn nichts entgegen zusetzen weiß. Einzig der wutgeladene Will Matthew versucht in der Rolle des Phillip Evelyns Willen zu brechen – doch auch er muß dafür eine hohen Preis zahlen. Last but not least bleibt Soane Latimer als Adam in LaButes Drama Evelyn hörig und erleidet einen gehörigen Realitätsverlust. Latimer spielt vortrefflich den smarten Typen, der zum Opfer seiner eigenen Hilflosigkeit wird und keinen Ausweg aus dieser Amour fou findet.

Das „White Horse Theatre“ ist eine professionelle Theatertruppe. Alljährlich schicken sie 4 muttersprachliche Ensemblemitglieder auf Tournee im deutschen Raum und den Benelux-Staaten. Hauptsächlich zeigen sie ihre Stücke in Schulen und Bildungseinrichtungen.

„The shape of things“ richtet sich vorrangig an Oberstufenschüler und Erwachsene mit fortgeschrittenen Englischkenntnissen. Weitere Vorstellungen sind für den 27., 28. Januar und am 2., 3. und 4. Februar geplant.

verwandte Artikel

• Keller Theatre Spielplan 11/12 ist auch etwas für Non-Anglophile
• Shakespeare aufs Wesentliche reduziert
• Ein blasser Prince Charming
• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit
• Wo zusammen wächst, was zusammen gehört

Nach wie vor prägen Wissensdefizite den Umgang mit der Viruserkrankung. In ihrer Präventionsarbeit erleben die Mitarbeiter der AIDS-Hilfe eine Diskrepanz zwischen Wissen und Handeln. Dazu kommen Missverständnisse, vorurteilsbedingte Ängste und Klischees im Umgang mit dem HI Virus. Das Stück greift die Missstände ungefiltert und eindringlich auf und zeigt das Präventionsarbeit aufklären kann, ohne zu belehren.

„Und alle so: Oh!“ denkt sich in das Leben von drei Figuren hinein, die unterschiedlich von HIV betroffen sind. Verkörpert werden sie von den jungen Darstellern Andrea Riehl, Annika Stoll und  Doménico Talarico. Unter der Anleitung der Theaterpädagogin Tabea Eifert aus München entwickelten sie ihren je eigenen Blick auf das Thema AIDS. In drei isolierten Kammern stehen sie nebeneinander im Bühnenbild und repräsentieren damit drei Grunderfahrungen mit der Krankheit. In körperbetonten, irritierenden Kurzszenen öffnen sie wechselnd den Blick für die Situation einer AIDS Patientin (Mehl), eines durch Angst gelähmten Jugendlichen (Stoll) und eines jungen Mannes, der den Tod seines Freundes betrauert (Talarico). Eine Welt voller Wut, Hilflosigkeit und Verzweiflung, die von den Performern auf der Bühne durchlebt wird. Ein Textfragment des Stückes, das die drei Perspektiven verbindet, lautet: „Du hast gemerkt, dass du zerbrechlich bist“.

Das Theaterstück ist für die präventive Arbeit mit Jugendlichen und jungen Erwachsenen entwickelt worden. Anhand von weiterführenden Materialen wird ein Sensiblisierungs- und Identifikationsprozess in Gang gesetzt, der ein Bewusstsein für das Thema schaffen und vorhandene Kenntnisse vertiefen soll. Als weiteres pädagogisches Medium der Sexualerziehung entsteht derzeit auf der Grundlage von „Und alle so: Oh!“ ein Film, der in die Arbeit von Schulen und anderen Bildungsträgern eingebunden werden kann.

Ziel ist es, Jugendlichen und Pädagogen den Zugang zu dem Thema zu erleichtern und den Kanon der gewöhnlichen Unterrichtsmitteln zu erweitern. Dabei soll ein nachhaltiger Impuls gesetzt werden, der nicht nur die Wissensebene berührt, sondern ein umfassenderes Begreifen möglich macht. Bei etwa 3000 Neuansteckungen 2010 allein in Deutschland ist dies eine wichtige gesellschaftspolitische Aufgabe, die nicht mit dem Theaterabend enden darf.

verwandte Artikel

• Schattentanz, Alltagsexpedition und „Abschottung“: Zum vierten Mal fand das junge „Instant“-Festival mit sechs Arbeiten bei den Theaterwissenschaften statt
• Leihen statt kaufen – Artothek Wetzlar mit bemerkenswertem Angebot
• Kaum Raum für freies Theater in Gießen: TiL die Lösung?
• Outdoor-„Woyzeck“. Theatrales Abenteuer mit Gegenverkehr
• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit

Im Eingang des begehbaren Gesamtkunstwerks war am Montag (21. November 2011) eine Diashow mit Bildern des Hauses vor dem Einzug zu sehen. Die ehemalige Nutzung als Verwaltungsgebäude der Uni, ist nur noch an den Aktenschränken aus Metall zu erkennen. Unten an einer Bar zwischen gemütlichen Sitzgruppen legte DJ Erik Meyer am Plattenspieler „Rauschhouse“ auf. Im ersten Stock malte Andreas Eickenroth auf dem Boden an einem großformatigen Bild, ein anderer Raum ist bereits mit einer bedrückenden Installation ausgestattet. So entsteht auch ohne Plan Etwas.

„Eine kindliche, freudige Erregung“ verspürte Künstler und Mitorganisator Till Korfhage bei der Aussicht auf fast zwei Wochen „rauschhaus“. Nachdem die temporäre und interdisziplinäre Arbeits- und Ausstellungsgesellschaft in den vergangenen zwei Jahren in der Dulles-Siedlung in der Grünberger Straße eher im Hintergrund agierte, ist nun ein neues Haus gefunden: Die Künstler_innen malen, werkeln und diskutieren noch bis zum 4. Dezember in der Ludwigstraße 19. Knapp zwei Wochen lang werden sie den Altbau „wüst und wirr beleben und ein ekstatisches Chaos zelebrieren“.

Gastkünstler Daniel Horvat, Thrash-Metal-Fan der ersten Stunde, berichtet etwa über seine Erfindung des Thrash-Painting, die ihm beim aggressiven Malen entstanden ist. Im Erdgeschoss sind seine neuen morbiden, expressiven Bilder zu sehen. Till Korfhage hat eine Rauminstallation mit Video, Spiegeln und Plastikfolie geschaffen, ein Kontrast zwischen Kanten und weichen Formen. Fence zeigt einen ganz anderen Raum mit grafischen, dreidimensionalen Elementen.

Initiatorin Julia Blawert zeigt sich zufrieden über den bisherigen Projektverlauf: Die Aufführungssituation nach einer so kurzen Arbeitsphase sorgten bei den Künstler_innen zwar auch für Druck, aber die Auseinandersetzung mit dem Publikum hat auch die Arbeit bestätigt. Und Jennifer Sprodowsky ergänzt: „Wir sind noch mittendrin, aber die Idee geht auf!“ Nach einer wilden Party am Freitag und geschlossenen Türen am Samstag begann die zweite Woche von rauschhaus III mit Spiel und Spaß statt Reflexion: Michael Bloeck bot mit „Be poet“ am Sonntagnachmittag Poesie, anschließend wurde um das Straßenkarree mit Wasserpistolen „Assassin – a game“ gespielt. Danach präsentierte der Gitarrist Djitó alias Daniel Schmidt seine folkigen Songs.

Beim ersten Mal „rauschhaus“ ging es nur um die Kraft des Rausches, im vergangenen Jahr dann reflektierter um den Wert der Kunst. Die dritte Auflage soll nun eine Synthese schaffen und gliedert sich in mehrere Phasen: Die beteiligten Künstler_innen arbeiteten meist mit offenen Türen wild drauflos, bis es dann am Freitagabend (25. November 2011) eine erste Ausstellung zu sehen gab – ein öffentliches „Fest der Sinne“. Die gewollte Katerstimmung sollte als produktives Stimulans wirken, eine programmierte Leerstelle im vorbeifließenden Rausch. Mehr als eine Atempause konnte dies nicht sein: am 3. Dezember ist schließlich die abschließende Ausstellung geplant.

Organisiert, konzipiert und durchgeführt wird das Projekt von Julia Blawert, Mona Wolf, Jennifer Sprodowsky, Florian Seel, Lena Theis und Till Korfhage. Förderung kommt vom Kulturfonds Gießen-Wetzlar, dem Kulturamt der Stadt Gießen, der Hessischen Theaterakademie und dem AstA der JLU Gießen. Neben Musikdarbietungen finden ein Filmabend, Gespräche, Performances und Diskussionen statt. Rauschhaus III ist bis zum 4. Dezember in der Ludwigstraße 19 zu Gast. Am 3. Dezember gibt es ab 20 Uhr eine Ausstellung von und mit 32 Künstler_innen und 21 Projekten. Informationen und Termine sind auf folgender Website abzurufen: http://rauschhaus.wordpress.com/

verwandte Artikel

• Räume voller dionysischer Ideen: Das Projekt „Rauschhaus“ zelebriert die ästhetische Hausbesetzung
• Gießener Künstlerkollektiv „rauschhaus“ veröffentlicht Katalog
• Wir empfehlen heute
• Keller Theatre Spielplan 11/12 ist auch etwas für Non-Anglophile
• Projektförderungen von Kommunaler Arbeitsgemeinschaft Gießen – Wetzlar beschlossen

Alles stimmt in Martin P. Koops Inszenierung: Rhythmus, Spaßdosis, Temperament der Darsteller und die choreographierten Tanzsequenzen. Der Regisseur kostet die Gangstergeschichten-Parodie in vollen Zügen aus: Wenig überraschend finden sich im Verbrechermilieu aufreizende Mädchen und egomane Ganoven, bei denen einer cooler als der andere sein will. Demgegenüber stehen die uniformierten Mitglieder der Heilsarmee, die Gottes Wort in die Welt tragen wollen, um die Seelen der Menschen zu retten.

Vocal Coach Nicole Tamburro hat alle Bühnenakteure zu bemerkenswerter gesanglicher Qualität gebracht. Anna-Maria Walter als Lillian verzaubert ihr Publikum mit ihrer warm-mitreißenden Stimme und sorgte mit ihren Soli „Surabaya Johnny“ und „The Sailor`s Tango“ für begeisterten Zwischenapplaus. In der Rolle der engagierten Christin gelingt es ihr glaubhaft, die Musik als Zeichen der göttlichen Liebe in die Welt zu tragen. „God is always advertising“, lautet ihr Credo. Sergej Gil, erstmals im Keller Theatre Ensemble, spielt den unnahbaren Unterweltplayboy Bill Cracker. Auch andere Keller-Theater-Debütanten können sich sehen lassen: In ihrer Hosenrolle als Baby Face hinterlässt Anne-Kathrin Abel einen glänzend burschenhaften Eindruck. Alexander-Lars Dallmann zeigt mit seiner Darstellung des Dr. Nakamura, dass auch wenige, schauspielerische Kunstgriffe genügen, um einen skurril-gefährlichen Bösewicht zu verkörpern. Die beiden Pianisten Satchin Kanse und Michel Till Weiß geben mit ihrem lebhaften Spiel und dem sicheren Gefühl für die musikalische Akzentuierung dem Ganzen den passenden Schwung.

„Happy End“ war für das Keller Theatre und die Musikwissenschaften eine goldrichtige Entscheidung – an dieser gemeinsam Aufgabe sind sie gewachsen. Weitere sechs Vorstellungen sind bis zum 10. Dezember jeweils donnerstags, freitags und samstags um 19.30 Uhr im Institut für Musikwissenschaft geplant.

verwandte Artikel

• Soziale Skulptur der Ausstellung „Ausvertausch“ wächst
• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit
• Keller Theatre Spielplan 11/12 ist auch etwas für Non-Anglophile
• Keller Theatre spielt im Mathematikum David Auburns „Proof“
• Comic Potential

In der Tradition von Teufels Spaßguerilla steht die Performancegruppe SKART (Schröppel Karau Art Repetition Technologies). Als die beiden sich als Kapitän und Stewardess kostümiert haben, können die Spiele beginnen: Schokoküsse fliegen ins Publikum und wieder zurück auf die Bühne, es wird Wasser verspritzt und hin und wieder aus der Rolle gefallen. Eine Stunde lang verhandelt „Solidarität ist die Zärtlichkeit der Völker“ deutsche Verhältnisse seit dem zweiten Weltkrieg: Von Max Schmelings Niederlage gegen Joe Lois in New York 1938 bis hin zum Diskurs um gewalttätige Jugendliche mit Migrationshintergrund, mit Zeitzeugen und Popmusik. Das ist irrsinnig, laut und lustig, Ironie und Chaos haben dabei genauso ihren Platz wie die Dekonstruktion von Geschlechterrollen und Nationalstaatlichkeit.

Grandios choreografiert ist der Kampf, den die beiden mit Ritterrüstung und Steinschleuder bewaffnet gegeneinander führen und der in der Zerstörung von Teilen des Bühnenbildes endet. Aus den Trümmern erstehen SKART mit Bommelhut und Kopftuch auf, Requisiten werden aus den Sägespänen am Boden gezogen. Nach minutenlangem Abspielen von Westernhagens „Freiheit“ öffnet sich die symbolische Mauer aus Tarnnetz noch einmal. Die beiden Performer mit Hang zum Exhibitionismus erscheinen in Frischhaltefolie und Theraband eingewickelt. Mit Frosch- und Entenmaske unterhalten sich Schlagersänger Roberto Blanco und Vertriebenenvertreterin Erika Steinbach über Werte und Ordnung. Die Vielstimmigkeit, schiere Masse und Lautstärke von Video, Klängen, Aussagen und auch technischen Mitteln ist erschlagend: Gartenzwerge baumeln von der Decke, Pflastersteine werden in die Waschmaschine gesteckt, Plakate mit grotesken Masken fragen: „Weißt du eigentlich, wie lieb ich dich hab‘?“ Mit auf der Bühne ist das werwolfartige Haustier (Verena Billinger) im knappen Goldbadeanzug, das vor den sechs Fernsehern Fanta trinkt.

Gegensätze werden nicht aufgelöst, sondern ausgestellt, das Motto lautet: Verständnislosigkeit statt Empathie, Unterhaltung statt Erziehung. So auch in der letzten Produktionen „Galactig Gigolo“ und „Der Fischer und sein Mann“ als Musiktheater für Kinder in Duisburg. Im Februar zeigen sie „Solidarität ist die Zärtlichkeit der Völker“ nochmals in Mülheim a. d. Ruhr, als „Versuch eines abseitig artikulierten Kommentars über ein Land, in das man durch Zufall hineingeboren wurde, zu scheitern“.

Der große Coup kommt zum Schluss: Sebastian Unsinn alias MC Burger King von der Augsburger Electrocombo „Bassschickeria“, entsteigt in weißer Priesterrobe zum Finale, rappt mit eindringlicher Stimme und verspritzt salbungsvoll Bier, während Schröppel und Karau einen modifizierten Reichsadler herumtragen. Trotz der offensichtlichen Punk-Attitüde, die SKART vertritt, bleibt die Aussage vieldeutig. Ein Fest der Körper und der Anarchie.

verwandte Artikel

• Autschn-Finissage und Kurt Schwitters zur Fender-Gittarre: René Marik macht vor über 900 Zuschauern im Audimax Puppentheater zu einem Fest fürs Zwerchfell
• Stadttheater Gießen kraftvoll in die Spielzeit gestartet. Ein Fest für alle Sinne.
• Eine Stadt lebt Theater. Sylvia Lutz reiste zum kunstvollen Ausnahmezustand nach Südfrankreich.
• Jung, roh und unverbraucht: The Jerks geben im Ulenspiegel eine Party on the Rockx
• Anna Peschke hat mit „Ägypten in Papier“ eine Wohnung zum Ausstellungsraum umfunktioniert

Toscana by Night

Als vom Publikum begeistert gefeiertes Kammerspiel ging „Die Toscana-Therapie“ (1987) am vergangenen Samstagabend (5. November 2011) im „Musenkeller“ über die Bühne. Das tageslichtenferne Gewölbe der St. Bonifatius Gemeinde war restlos ausverkauft, als Robert Gernhardts einziger dramatischer Text zur Aufführung kam. Der Cartoonist und Satiriker zeichnet darin eine bitter-süße Parabel auf eine Gesellschaft deren Kommunikation endgültig aus den Fugen geratenen ist – babylonische Sprachverwirrung zwischen Terrakotta und Zypressenhügeln. Zur Arena der Wortgladiatoren wird die luftige Terrasse mit meditteranen Gartenmöbeln wo bei Wein, Weib und Gesang sich über Gott und die Welt ausgetauscht wird, ohne das etwas substantielles hängen bleibt.

Alles nur Schauspielerei: Victor als französischer Feldherr

Karin verbringt mit ihrem nörgelnden Ehemann Gerhard den Sommerurlaub im Ferienhaus ihres Freundes Dieter in der Toscana. Bei einem Florenzaufenthalt haben sie den bekennenden Alkoholiker und amerikanischen Literaten Victor aufgegabelt, mit dem sie seitdem das Domizil teilen. Für Ärger sorgen außerdem Gärtner Danilo mit seinem Traktorlärm, dass unablässige „Sägen“ der Zikaden, und ein unverhoffter Besuch des Fotographen Florian mit seiner jugendlichen Muse Silvia. Für den abendlichen Besuch des Freundes Werner Bergmann (Redakteur bei FAZ Magazins), auf den sich Karin und Gerhard gefreut haben, bleibt bei all dem Trubel kaum Zeit. Erst als Psychotherapeut Dieter eintrifft, kommt es zur Lösung des Konflikts – aber anders als erwartet.

Richtig kultiviert ist in der „Toscana-Therapie“ keiner, nicht mal die jungendliche Verlockung Silvia, die zur emotionalen Aufrichtigkeit auffordert: “Warum sagt ihr nicht einfach was ihr meint“. Die Inszenierung unter der Regie von Guy Sagnes nähert sich dem Stoff unverkrampft, ohne zu moralisieren, und das leidenschaftliche Musenkeller-Ensemble braucht den Vergleich mit professionellen Bühnenakteuren nicht zu scheuen.

Karin und Gerhardt diskutieren

Vielleicht am schwersten haben es Karin (Annette Filippi) und Gerhard (Dominik Müller), deren Konflikt bei aller dem Geschlechterkampf innewohnenden Lächerlichkeit, eine gewisse Tragik haben muss, um die gesellschaftskritischen Untertöne hörbar werden zu lassen. Gerhards enervierende Besserwisserei und sein intellektuelles Entertainment erträgt Filippi in der Rolle der Karin in souveräner Ruhe. Müller hingegen hat die Getriebenheit Gerhards in ein nervöses Brillenspiel und ein unkontrollierte Hyperaktivität übersetzt, dass sich von den Augen ausgehend sich in seinen zuckenden Leib ausbreitet. Michael Müller als Poet Victor, die „Hemingway-Dublette“, spielt sich als toskanischer Warhol mit rollendem R in die Herzen des Publikums und an die Ränder der sprachlichen Absurdität.

Die große Stärke der Inszenierung ist, dass sie die Entfremdung von Sprache und Individuum auf den Punkt bringt. Theater für Körper und Geist, die nicht mehr zueinander finden – witzig ist das ganz sowieso.

verwandte Artikel

• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit
• Mit spitzer Zunge gezeichnet
• „Geisteskrankbekotztes Wildschweingefurze“: Gerhard Henschel liest vor der kulturellen Elite der Stadt aus „Jugendroman“
• Outdoor-„Woyzeck“. Theatrales Abenteuer mit Gegenverkehr
• Pfeifender Prometheus mit Blockflöte begrüßte den Frühling

The Cure

Nach der Sommerpause ist das Keller Theatre mit fünf englischen Komödchen wieder da. Der Einakter-Abend „Student Life“ feierte am Freitagabend (16. September 2011) auf der „Kleinen Bühne“ Premiere. Bereits in dieser ersten Produktion pflegt das Keller Theatre, getreu dem diesjährigen Spielzeit-Motto „Same old same new!“, die Tradition: Bei der Auswahl der Stücke war der frühere Keller Theatre-Intendant (1989-1992) Scott Lahaie behilflich, der mittlerweile in North Carolina an der Gardner-Webb University Theaterwissenschaft unterrichtet. Die überwiegend im deutschen Sprachraum unbekannten Bühnenwerke sind alle 2-Personen-Stücke.

Los geht der Abend mit “Milking Success” von Chris Cragin Day. In dem wortreichen Kurzdrama kümmert sich Mitbewohner Jack (Markus Preuß) um den von einer künstlerischen Sinnkrise heimgesuchten Filmemacher Tom (Jan Hufnagel). Überraschend gelingt dies auf ganz andere Weise als zunächst zu erwarten war. In Gruppenarbeit wurde diese Komödie vom gesamten Ensemble in Szene gesetzt.

End of the road

Ein brisantes Thema kommt mit “Mistaken Identity” von Sharon E. Cooper auf die Bühne. So ganz nebenbei erfährt Steve (Gero Guttzeit) in einem Pub irgendwo in England das Kali (Shariya Dilini Algama) eine Frau liebt. Die Situation ist doppelt schwierig: Steve hat sich den Abend anders gewünscht und Kali gerät in Konflikt mit ihrer hinduistischen Herkunft. Regisseurin Rosemary Bock fragt nach den Grenzen des Privaten unter der Macht der gesellschaftlichen Normalität.

Mit dem Rollennamen Jenny, zeigt ihre Tochter, Annika Bock, dass man auch andauernder Intimität überdrüssig werden kann. In der Gemeinschaftsinszenierung des Ensembles von „End of the Road“ (Autor: Kelly Russell) kommen Jenny und Nick (Markus Preuß) im wahrsten Sinne des Wortes an das Ende ihrer gemeinsamen Reise – alle Orte gesehen, und einander nichts mehr zu sagen.

Chess Club

Einen ganz anderen Konflikt haben John (Lukas Magel) und Jenny (Johanna Lücker) in „The Cure“ von Steven Day. Er ist mit seinem Latein am Ende was die Unordnung seiner Mitbewohnerin Jenny (Johanna Lücker) angeht. Jana Dillmanns Inszenierung ist eine Hommage an die achtziger Jahre und ein Glanzpunkt des Abends.

Mit „Chess Club“ von Leon Kaye wird eine makaber-schöne Satire gezeigt. Die attraktive Reporterin Jane (Johanna Triebel) interviewt den letzten Überlebenden eines Flugabsturzes. Ohne Betroffenheitsklischees schrieb Kaye ein Stück in dem Hubert (Lucius Wack) detailverzückt vom Krankbett aus schildert, wie er seine Schach-Kumpels nacheinander aufaß. Michel Porep hat in seiner Inszenierung Hubert eine Nerdbrille und einen Krankhaus-Umhang gesteckt – ein überraschendes Ende gibt es auch.

Schlussapplaus

Allen Ensemblemitgliedern ist die Spielfreude sofort anzumerken – die fünf Ensemble-Neulinge unterstrichen diesen Eindruck. Manch eine Pointe bleibt dennoch der mangelnden Professionalität geschuldet unpointiert und der Stoffumsetzung fehlt ab und an etwas an szenischem Schwung. Johanna Lücker und Annika Bock hinterließen einen herausragenden Eindruck.

„Student Life“ wird an den nächsten Wochenenden sechsmal zur Aufführung kommen – am heutigen Freitag, den 23. September, geht es weiter. Einen Überblick über die Spielzeit 2011/12 des Keller Theatre gibt es unter: Keller Theatre Spielplan ist auch etwas für Non-Anglophile.

verwandte Artikel

• Keller Theatre Spielplan 11/12 ist auch etwas für Non-Anglophile
• Wo zusammen wächst, was zusammen gehört
• Stadttheater Gießen kraftvoll in die Spielzeit gestartet. Ein Fest für alle Sinne.
• Amour fou auf Englisch
• Dieter Senft ab nächster Spielzeit neuer Opern- und Betriebsdirektor am Stadttheater

Perspektivenwechsel

Mehr Theater geht kaum. Das Stadttheater Gießen präsentierte zum Saisonauftakt sich selbst am alljährlichen Tag der offenen Tür. Unter dem Motto „GERADEaus in die neue Spielzeit“ wurden am vergangenen Sonntag (21. August) nicht nur Werkstatt- und Bürotüren weit geöffnet, sondern ein ganztägiges Programm gab einen Vorgeschmack auf die Spielzeit 2011/12 . Daneben gab es die übliche Theaterralley, den Kostümflohmarkt und die Technikshow auf der Bühne. Erstmalig gab es eine Diskussionsrunde, in der die neuen Ensemblemitglieder vorgestellt wurden und eine Ausstellung von Bühnentechnikmodellen mit dem Titel „Wie am Schnürchen“, an denen Bühnenmeister Ingo Blaschke die technischen Anlagen des Großen Hauses erklärte. Außerdem hatte die Musikschule Gießen für Kinder einen Klangparcours vorbereitet. Der 10. Tag der offenen Tür war wieder einmal ein Fest für alle Sinne – auch wenn wetterbedingt die Freiluft-Veranstaltungen ins Thatergebäude verlegt werden mussten.

Nach dem musikalischen Auftakt durch das Philharmonische Orchester, der mit der Ouvertüre von Rossinis „Wilhelm Tell“ endete, betonte eine gutgelaunte Intendantin Cathérine Miville in ihrem Grußwort, dass es erneut ein „Gießener Spielplan“ sei, für den alle Ensemble werben wollen. Zudem ermunterte sie das Publikum, sich neugierig auch in die „entlegenen Winkel“ des Theaters zu begeben, um „ihr Stadttheater“ richtig kennen zu lernen. Außerdem freute sie sich, dass durch das parallel stattfindende Stadtfest, es möglich sei, ganz unaufdringlich mit Publikumskreisen in Beziehung zu treten, die bisher eher theaterfern wären.

Spielplanpräsentation im Gleichschritt: Das Schauspielensemble

Anschließend präsentierte Musikdramaturg Christian Steinbock bekannt lässig und in wissensreicher Kürze den Spielplan des Musiktheaters der Spielzeit, die mit „Gerade“ überschrieben ist. Zum Pflichttermin aller Kunst- und Kulturfreunde wird die Eröffnungspremiere „La Boheme“ von Opernzar Puccini am 3. September 2011. Weiterhin im Programm ist die in der vergangenen Saison siebenmal restlos ausverkaufte „Hochzeit des Figaro“. Aufsehenerregen wird sicher auch die Oper „Alessandro Stradella“ von Friedrich von Flotow, dessen 200. Geburtstag dieses Jahr gefeiert wird. Mit ihr wird eine hochromantische Oper auf die Bühne gebracht, die ohne Zweifel auch überregional Aufmerksamkeit finden kann. Die Premiere ist für den 28. Januar 2012 geplant. Als letzte Musiktheater-Produktion wird ab 12. Mai 2012 „Lulu“ von Alban Berg uraufgeführt. Eine mutige Vielfalt also.

Nicht minder vielfältig war es auch ab 12 Uhr im Theater-Foyer. Das dort stattfindende, halbstündig wechselnde Programm reichte von Salonmusik über die One-Man-Show von Schauspieler Rainer Hustedt mit seinem „Masochisten-Tango“ bis zu dem Gesangsquartett der „Schmachtigallen“.

Shopping im Hinterhof: Kostümflohmarkt

In einer 20-minütigen Spielplanrevue brachte das Schauspielensemble alle Stücke der Spielzeit im Blitztempo hintereinander auf die Bühne. Ambitioniertes Gegenwartstheater hat der Schauspieldramaturg Matthias Schubert für 11/12 zusammengestellt. Abgesehen von „Arsen und Spitzenhäubchen“ wird wohl das gefälligste „Prinz Friedrich von Homburg“ von Kleist sein. Mit „Die fetten Jahre sind vorbei“, „Hysterikon“ und Ibsens „Volksfeind“ sind vor allem Stücke darunter, die aufwühlend unser Selbstverständnis destruieren. Auf der Studiobühne (TiL) bleiben mit „The Kraut“ und „Die Wanze“ Publikumsmagneten im Programm. Und im Kinder- und Jugendtheater wird es fünf Neuproduktionen für unterschiedliche Altersgruppen geben. Freuen darf man sich auch, auf insgesamt vier Tanzchoreographien der Tanzcompagnie Gießen. Los geht es am 8. Oktober 2011 mit dem Stück von Tanzdirektor Tarek Assam „Galileo meets Kopernikus“.

Zum großen Finale des Tages gab es traditionell das Abschlußkonzert mit dem Philharmonischen Orchester und dem Jugend-Orchester der Musikschulen Butzbach und Gießen. Beim Dirigier-Wettbewerb konnten zwei Laien den Taktstock für Brahms „Ungarischer Tanz“ schwingen. Ganz zum Schluss, war dann wieder die Zeit gekommen, um mit Martin Gärtner ein gemeinsames Lied einzustudieren, dass vom Publikum mit Begeisterung mitgesungen und von Orchester pflichtbewusst begleitet wurde.

Allseits glückliche Gesichter waren zu sehen, als das Stadttheater Gießen kurz nach 17 Uhr seine Pforten wieder schloss.

verwandte Artikel

• Dieter Senft ab nächster Spielzeit neuer Opern- und Betriebsdirektor am Stadttheater
• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit
• Deutschland, eine Abrechnung: Die Performancegruppe SKART diplomiert mit einem Fest der Körper und der Anarchie
• Projektförderungen von Kommunaler Arbeitsgemeinschaft Gießen – Wetzlar beschlossen
• Dada-Eklat im Stadttheater: Neujahrskonzert mit Pfiffen und Buh-Rufen

Woyzeck erdrosselt Marie (c) Marialena Marouda

AUF DER LAHN. Der Regengott hatte erbarmen: Pünktlich zur zweiten Vorstellung von „Die Straße der Stummen Bilder“ legte der Dauerregen am vergangenen Freitag (12. August) um 19 Uhr eine Pause ein. Etwa 40 Zuschauer hatten sich für die zweite Runde am Lahnufer bei der Gießener “Marinestube” eingefunden, um sich im Kanu zu dritt oder im 10er-Schlammbeißer-Boot eine originelle Inszenierung von Büchners „Woyzeck” zu erpaddeln.

Angekündigt als „Klanginstallation auf der Lahn“, war der Outdoor-Theaterabend, organisiert von der „Blauen Laterne“, vor allem durch das außergewöhnliche Ambiente und das intensive Spiel der Darsteller geprägt – die Hauptrolle war allerdings der Lahn selbst vorbehalten. Die Regisseurin Dagmar Titsch hatte an den Uferseiten Fragmente aus Büchners Drama zu sechs szenischen Bildern eingerichtet. Das Publikum war mit eigener Muskelkraft aufgefordert, die Stationen anzufahren und das Geschehen zwischen Bäumen und Gräsern vom Wasser zu beobachten.

Die Geschichte des einfachen Soldaten Woyzeck, der von Wahnvorstellungen heimgesucht und von seiner Umwelt schikaniert am Rande der Gesellschaft lebt, wurde in diesen wenigen atmosphärisch dichten Szenen eindrücklich erzählt. Dabei verzichtete Dagmar Titsch auf das gesprochene Wort und setzte ganz auf die Expressivität der Darstellung und die Kraft der Musik. Die Klangkompositionen (Jörn Boldt) verknüpften oft die verschiedenen Spielorte und verbanden so musikalisch die Darbietungen. In einem Faltblatt zur Inszenierung konnte zudem die Handlung nachvollzogen und nachgelesen werden.

An den Stationen traf der Zuschauer auf insgesamt drei verschiedene Woyzeck-Interpreten und drei Marien, wobei jeder Darsteller die literarische Figur auf seine Weise mit Leben erfüllte. Das Aufbrechen der Einheit von Schauspieler und Figur ermöglichte so einen ganz persönlichen Blick auf das Stück. Ein historisch anmutendes Kostüm, das entscheidende Requisit, beleuchtet von einem einzigen Scheinwerfer und fertig war die Szenerie: Mit sparsamsten Mitteln auf der einen und einem Reichtum in der Figurenzeichnung auf der andern Seite, zog die Inszenierung die Betrachter in ihren Bann. Zwar handelte es sich nicht um professionelle Schauspieler, doch gerade weil die Darsteller nicht hinter ihrer Figur verschwanden, wurde aus Woyzeck ein Mensch wie du und ich, dessen Schicksal berührte. Schade, dass die Regie derart auf Effekte setzte, auch bei der Musik, – derer hätte es nicht bedurft.

Die große Spielfreude aller und das Gemeinschaftserlebnis auf dem Wasser machten „Die Straße der Stummen Bilder“ zu einem kleinen, charmanten Abenteuer – vor allem bei Gegenverkehr. Außerdem bot sich so nicht zuletzt die Gelegenheit, ein auf dem Landweg unzugängliches Lahnufer zu entdecken. Beim Zurückpaddeln durch die idyllische Naturkulisse, konnte man dann die Geschichte noch einmal in umgekehrter Reihenfolge am Wasserfahrzeug vorbeiziehen lassen. Von dem verdienten Applaus gab es bereits nach jeder einzelnen Darbietung reichlich.

verwandte Artikel

• Kurzdramen-Wettbewerb: Assoziative Flickenteppiche, Woyzeck auf dem Bauernhof und Beziehungskram mal anders erzählt
• Pfeifender Prometheus mit Blockflöte begrüßte den Frühling
• Besserwisserei, viel Haut und der toskanische Warhol
• Wo zusammen wächst, was zusammen gehört
• Mit Einakter-Quintett in die neue Spielzeit

Mit dem diesjährigen artiste associé Boris Charmatz legt das Festival in seiner 65. Ausgabe einen Schwerpunkt auf Tanz. Der französische Ausnahme-Choreograf eröffnete am 7. Juli das Festival im Papstpalast mit seinem Abend ENFANT (Kind). Zehn Kinder im Alter von sechs bis zwölf Jahren und neun Tänzer aus sechs Nationen bevölkern dabei die Bühne. Für die Thematisierung des Verhältnisses zwischen Kindern und Erwachsenen schafft Charmatz ein choreografisches Ereignis mit großer visueller Aussagekraft, das berühren, aber auch verstören will.

Die Choreografen William Forsythe (UNWORT 14.-24.07.), Meg Stuart (VIOLET 19.-25.07.), Xavier Le Roy (LOW PIECES 19.-25.07.) sowie die Belgierin Anne Teresa De Keersmaeker setzten weitere Höhepunkte des Festivals. Letztere zeigt ihr Stück CESENA (16.-19.07.) bereits am frühen Morgen um 4.30 Uhr auf der Freilichtbühne vor der historischen Kulisse des Papstpalastes.

Doch gespielt wird in Avignon, nicht nur in ehrwürdigen Kirchen und Klöstern, einem beeindruckenden Steinbruch und dem Opernhaus, sondern auch auf der Straße, den Plätzen, in jeder Garage und jedem Hinterhof – das „Off“ bringt das Festival zum Kochen! Im „inoffiziellen“ Teil kann jeder mitmachen und so wetteifern überall Plakate und Artisten um die Aufmerksamkeit des Publikums. Mit etwas Glück spürt man interessante neue Theaterformen und Künstler unter den 1000 teilnehmenden Gruppen auf – oder man taucht einfach ein in die besondere Atmosphäre dieser Stadt im kunstvollen Ausnahmezustand.

verwandte Artikel

• Kaum Raum für freies Theater in Gießen: TiL die Lösung?
• Führung zu historischen Musikinstrumenten im Stadt- und Industriemuseum
• Von Diven, Weltschmerzregisseuren und mancher Rampensau: Theater Gegenstand gastiert mit “Gretchen 89ff” im Kino Traumstern
• Deutschland, eine Abrechnung: Die Performancegruppe SKART diplomiert mit einem Fest der Körper und der Anarchie
• Matthias Faltz stellt seinen Antrittsspielplan als neuer Intendant am Theater Marburg vor