In den Mittelpunkt von „The shape of things” stellt LaBute eine unerhörten Liebesbeziehung und stellt damit die Frage, wie weit man zur Verwirklichung individueller Sehnsüchte gehen darf. In einer modernen Adaption des Pygmalion-Themas formt sich die Kunststudentin Evelyn Ann Thompson (Terri Musson) einen gleichaltrigen Studenten nach ihrem Bilde. Unter ihrem Einfluss wird aus Adam Sorenson (Soane Latimer), dem anglistikstudierenden Nerd, ein gutgekleideter Beau. Eine Verwandlung die auch die Freundschaft von Jenny (Lindsay Konieczny) und Phillip (Will Matthews) gehörig durcheinanderbringt. Der Preis den Adam für die Liebe zu Evelyn zahlen muss wird im Stückverlauf immer höher. Verstörend und bedrohlich steuert die Handlung von „The shape of things“ auf ein Ende mit Schrecken zu, mit dem Evelyn alle Beteiligten inklusive des Publikums schockiert.

Regisseur Michael Dray von „White Horse Theatre“ machte aus dem Stück ein intensives Kammerspiel, dass sich eng an LaButes Textvorlage hält. Die vier Ensemblemitglieder, die allesamt an britischen Schauspielakademien studierten, präsentieren englischsprachiges Sprechtheater, dem man gut folgen kann. Auch wenn es manchmal an szenischen Einfällen fehlt, ist der Theaterabend dank der engagierten Arbeit der Schauspieler atmosphärisch dicht. Terri Musson in der Rolle der attraktiven Femme fatal hält die Fäden in der Hand und bleibt als Evelyn allen intellektuell überlegen. Lindsay Konieczny verkörpert die Jenny als ein harmloses Kleinstadtmäuschen, das der übergriffigen Evelyn nichts entgegen zusetzen weiß. Einzig der wutgeladene Will Matthew versucht in der Rolle des Phillip Evelyns Willen zu brechen – doch auch er muß dafür eine hohen Preis zahlen. Last but not least bleibt Soane Latimer als Adam in LaButes Drama Evelyn hörig und erleidet einen gehörigen Realitätsverlust. Latimer spielt vortrefflich den smarten Typen, der zum Opfer seiner eigenen Hilflosigkeit wird und keinen Ausweg aus dieser Amour fou findet.

Das „White Horse Theatre“ ist eine professionelle Theatertruppe. Alljährlich schicken sie 4 muttersprachliche Ensemblemitglieder auf Tournee im deutschen Raum und den Benelux-Staaten. Hauptsächlich zeigen sie ihre Stücke in Schulen und Bildungseinrichtungen.

„The shape of things“ richtet sich vorrangig an Oberstufenschüler und Erwachsene mit fortgeschrittenen Englischkenntnissen. Weitere Vorstellungen sind für den 27., 28. Januar und am 2., 3. und 4. Februar geplant.

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Zu Anfang galt jedoch sein Erstaunen dem großen Publikumsinteresse. Er habe mit „sechs“ Personen gerechnet.

Ausgangspunkt seiner Reflexionen zu Spehrs Kunst waren die kleinformatigen Zeichnungen im hinteren Areal der Kunsthalle. An ihnen stellte er den besonderen „Anstrich“ der künstlerischen Arbeit dar. Spehr operiere als Künstler im Bereich der „Unschärfe“. Damit gehöre er zu dem Künstlertypus der „versucht den allgemeinen Geschmack zu unterwandern“. Dies sei aber bei Spehr nicht Ausdruck einer willkürlichen Opposition zum aktuellen Zeitgeschehen. Bei Spehr vermittelten die Exponate, insbesondere auch die Gießener Ausstellung, eine mit künstlerischen Mitteln evozierte Aufforderung: „Genauer Hinzuschauen, um die Verhältnisse verändern zu können“ – man muss nahe an die zum Teil detailreichen Zeichnungen herantreten. Nach einer Titelei suche man dabei meist vergeblich. Die Werke blieben auch deshalb ohne Titel, wie Leggewie räsonierte, weil Spehr jegliche propagandistische Inanspruchnahme verhindern möchte. Diese explizite Nichtpositionierung, wird durch die in den Zeichnungen leerbleibenden Plakate und Protestschilder überdeutlich zum Ausdruck gebracht. „Bei ihm steht eben nichts, dass ist wichtig“. Natürlich hat das irgendwie immer auch etwas mit Beuys zu tun. Spehr möchte die Köpfe seiner Rezipienten erreichen, deshalb hat er den sozialen Raum in dem seine Kunst wirkt mit im Blick – auch im Sinne eines Chronisten, der mediale Sehgewohnheiten festhält. Ausdrücklich verwies Leggewie auf die Bedrohlichkeit und „Gewaltigtätigkeit“ der Szenerien, die evident von den wiederkehrenden „unheimlichen Kindern“ ausginge. Sie stellen die Welt zwar nicht auf den Kopf, sind aber ebenso wie „Streetfighter“, „Berber“ und „Businessmen“ fester Bestandteil von Spehrs ikonographischem Personal. „Spehr möchte sie verunsichern“ und seine Kunst trage gewollt die „Signatur des Politischen“. Der Kunstprofessor setze höchste Zeichenkunst ein, um Bildergeschichten zu formen, die öffentlich anschließbar bleiben, ohne Partei zu ergreifen.

Zu der Verschränkung der installativen Arbeit und den Zeichnungen ringsum, sagte Claus Leggewie wenig. Er verwies jediglich auf die Zeitgemäßheit der fliegenden Zeltstadt, die an den Tahrir-Platz in Kairo, die Piazza del Sole in Madrid oder ganz aktuell an die Bürger-Proteste in Moskau erinnern könnte. „Das Schöne an der politischen Kunst ist, dass sie Überlegungen freisetzt“. Allerdings sei das Sujet bei Spehr niemals so politisch, wie etwa Picassos Guernica, räumte Leggewie ein. Es bleibe die „Unschärfe“ in seinen „Tumult“- und „Empörungs“-Bildern erhalten – dies sei auch für die Installation eine wichtige Interpretationsperspektive.

Die Kuratorin der Kunsthalle Frau Dr. Riese freute sich abschließend über eine „anregende“ Führung. Die übrigen Geführten unterstrichen diese Würdigung mit anhaltendem Beifall. Es wird für Frau Dr. Riese schwer werden, nun einen zweiten Prominenten zu finden, der mit ähnlich professoraler Eloquenz und lockerem Infotainment seine Gedanken zu einer Kunsthallen-Ausstellung preisgibt. Die Kunsthalle zeigt Johnnes Spehrs Kunstwerke noch bis zum 23. Dezember 2011.

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Nach wie vor prägen Wissensdefizite den Umgang mit der Viruserkrankung. In ihrer Präventionsarbeit erleben die Mitarbeiter der AIDS-Hilfe eine Diskrepanz zwischen Wissen und Handeln. Dazu kommen Missverständnisse, vorurteilsbedingte Ängste und Klischees im Umgang mit dem HI Virus. Das Stück greift die Missstände ungefiltert und eindringlich auf und zeigt das Präventionsarbeit aufklären kann, ohne zu belehren.

„Und alle so: Oh!“ denkt sich in das Leben von drei Figuren hinein, die unterschiedlich von HIV betroffen sind. Verkörpert werden sie von den jungen Darstellern Andrea Riehl, Annika Stoll und  Doménico Talarico. Unter der Anleitung der Theaterpädagogin Tabea Eifert aus München entwickelten sie ihren je eigenen Blick auf das Thema AIDS. In drei isolierten Kammern stehen sie nebeneinander im Bühnenbild und repräsentieren damit drei Grunderfahrungen mit der Krankheit. In körperbetonten, irritierenden Kurzszenen öffnen sie wechselnd den Blick für die Situation einer AIDS Patientin (Mehl), eines durch Angst gelähmten Jugendlichen (Stoll) und eines jungen Mannes, der den Tod seines Freundes betrauert (Talarico). Eine Welt voller Wut, Hilflosigkeit und Verzweiflung, die von den Performern auf der Bühne durchlebt wird. Ein Textfragment des Stückes, das die drei Perspektiven verbindet, lautet: „Du hast gemerkt, dass du zerbrechlich bist“.

Das Theaterstück ist für die präventive Arbeit mit Jugendlichen und jungen Erwachsenen entwickelt worden. Anhand von weiterführenden Materialen wird ein Sensiblisierungs- und Identifikationsprozess in Gang gesetzt, der ein Bewusstsein für das Thema schaffen und vorhandene Kenntnisse vertiefen soll. Als weiteres pädagogisches Medium der Sexualerziehung entsteht derzeit auf der Grundlage von „Und alle so: Oh!“ ein Film, der in die Arbeit von Schulen und anderen Bildungsträgern eingebunden werden kann.

Ziel ist es, Jugendlichen und Pädagogen den Zugang zu dem Thema zu erleichtern und den Kanon der gewöhnlichen Unterrichtsmitteln zu erweitern. Dabei soll ein nachhaltiger Impuls gesetzt werden, der nicht nur die Wissensebene berührt, sondern ein umfassenderes Begreifen möglich macht. Bei etwa 3000 Neuansteckungen 2010 allein in Deutschland ist dies eine wichtige gesellschaftspolitische Aufgabe, die nicht mit dem Theaterabend enden darf.

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Alles stimmt in Martin P. Koops Inszenierung: Rhythmus, Spaßdosis, Temperament der Darsteller und die choreographierten Tanzsequenzen. Der Regisseur kostet die Gangstergeschichten-Parodie in vollen Zügen aus: Wenig überraschend finden sich im Verbrechermilieu aufreizende Mädchen und egomane Ganoven, bei denen einer cooler als der andere sein will. Demgegenüber stehen die uniformierten Mitglieder der Heilsarmee, die Gottes Wort in die Welt tragen wollen, um die Seelen der Menschen zu retten.

Vocal Coach Nicole Tamburro hat alle Bühnenakteure zu bemerkenswerter gesanglicher Qualität gebracht. Anna-Maria Walter als Lillian verzaubert ihr Publikum mit ihrer warm-mitreißenden Stimme und sorgte mit ihren Soli „Surabaya Johnny“ und „The Sailor`s Tango“ für begeisterten Zwischenapplaus. In der Rolle der engagierten Christin gelingt es ihr glaubhaft, die Musik als Zeichen der göttlichen Liebe in die Welt zu tragen. „God is always advertising“, lautet ihr Credo. Sergej Gil, erstmals im Keller Theatre Ensemble, spielt den unnahbaren Unterweltplayboy Bill Cracker. Auch andere Keller-Theater-Debütanten können sich sehen lassen: In ihrer Hosenrolle als Baby Face hinterlässt Anne-Kathrin Abel einen glänzend burschenhaften Eindruck. Alexander-Lars Dallmann zeigt mit seiner Darstellung des Dr. Nakamura, dass auch wenige, schauspielerische Kunstgriffe genügen, um einen skurril-gefährlichen Bösewicht zu verkörpern. Die beiden Pianisten Satchin Kanse und Michel Till Weiß geben mit ihrem lebhaften Spiel und dem sicheren Gefühl für die musikalische Akzentuierung dem Ganzen den passenden Schwung.

„Happy End“ war für das Keller Theatre und die Musikwissenschaften eine goldrichtige Entscheidung – an dieser gemeinsam Aufgabe sind sie gewachsen. Weitere sechs Vorstellungen sind bis zum 10. Dezember jeweils donnerstags, freitags und samstags um 19.30 Uhr im Institut für Musikwissenschaft geplant.

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Toscana by Night

Als vom Publikum begeistert gefeiertes Kammerspiel ging „Die Toscana-Therapie“ (1987) am vergangenen Samstagabend (5. November 2011) im „Musenkeller“ über die Bühne. Das tageslichtenferne Gewölbe der St. Bonifatius Gemeinde war restlos ausverkauft, als Robert Gernhardts einziger dramatischer Text zur Aufführung kam. Der Cartoonist und Satiriker zeichnet darin eine bitter-süße Parabel auf eine Gesellschaft deren Kommunikation endgültig aus den Fugen geratenen ist – babylonische Sprachverwirrung zwischen Terrakotta und Zypressenhügeln. Zur Arena der Wortgladiatoren wird die luftige Terrasse mit meditteranen Gartenmöbeln wo bei Wein, Weib und Gesang sich über Gott und die Welt ausgetauscht wird, ohne das etwas substantielles hängen bleibt.

Alles nur Schauspielerei: Victor als französischer Feldherr

Karin verbringt mit ihrem nörgelnden Ehemann Gerhard den Sommerurlaub im Ferienhaus ihres Freundes Dieter in der Toscana. Bei einem Florenzaufenthalt haben sie den bekennenden Alkoholiker und amerikanischen Literaten Victor aufgegabelt, mit dem sie seitdem das Domizil teilen. Für Ärger sorgen außerdem Gärtner Danilo mit seinem Traktorlärm, dass unablässige „Sägen“ der Zikaden, und ein unverhoffter Besuch des Fotographen Florian mit seiner jugendlichen Muse Silvia. Für den abendlichen Besuch des Freundes Werner Bergmann (Redakteur bei FAZ Magazins), auf den sich Karin und Gerhard gefreut haben, bleibt bei all dem Trubel kaum Zeit. Erst als Psychotherapeut Dieter eintrifft, kommt es zur Lösung des Konflikts – aber anders als erwartet.

Richtig kultiviert ist in der „Toscana-Therapie“ keiner, nicht mal die jungendliche Verlockung Silvia, die zur emotionalen Aufrichtigkeit auffordert: “Warum sagt ihr nicht einfach was ihr meint“. Die Inszenierung unter der Regie von Guy Sagnes nähert sich dem Stoff unverkrampft, ohne zu moralisieren, und das leidenschaftliche Musenkeller-Ensemble braucht den Vergleich mit professionellen Bühnenakteuren nicht zu scheuen.

Karin und Gerhardt diskutieren

Vielleicht am schwersten haben es Karin (Annette Filippi) und Gerhard (Dominik Müller), deren Konflikt bei aller dem Geschlechterkampf innewohnenden Lächerlichkeit, eine gewisse Tragik haben muss, um die gesellschaftskritischen Untertöne hörbar werden zu lassen. Gerhards enervierende Besserwisserei und sein intellektuelles Entertainment erträgt Filippi in der Rolle der Karin in souveräner Ruhe. Müller hingegen hat die Getriebenheit Gerhards in ein nervöses Brillenspiel und ein unkontrollierte Hyperaktivität übersetzt, dass sich von den Augen ausgehend sich in seinen zuckenden Leib ausbreitet. Michael Müller als Poet Victor, die „Hemingway-Dublette“, spielt sich als toskanischer Warhol mit rollendem R in die Herzen des Publikums und an die Ränder der sprachlichen Absurdität.

Die große Stärke der Inszenierung ist, dass sie die Entfremdung von Sprache und Individuum auf den Punkt bringt. Theater für Körper und Geist, die nicht mehr zueinander finden – witzig ist das ganz sowieso.

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Gregor Weber vertieft in seinen Debüt-Krimi "Feindberührung"

Dank der medialen Aufmerksamkeit, ist das Krimifestival Gießen 2011 zu einer noch erfolgreichen Reihe angewachsen. Nahezu alle Veranstaltungen sind restlos ausverkauft. Das liegt sicher auch an den Fernsehstars die Organisator Uwe Lischper abermals nach Gießen locken konnte. Zu Beginn der dritten und letzten Woche, war nach der Eröffnung (30. September 2011) mit dem Schauspieler Armin Rohde, ein weiteres prominentes TV-Gesicht am Freitagabend (14. Oktober 2011) in Gießen zu Gast. In den Verkaufsräumen von Betten Lenth, diesjährig erstmalig Festival-Gastgeber, las Gregor Weber, bekannt durch die Rolle des Saarbrückener Tatortkommissars Stefan Deininger. Der Schauspieler, der nach eigenen Angaben, 11 Monate im Jahr vorrangig schreibt, stellte seinen diesjährig publizierten Kriminalroman „Feindberührung“ vor. Nach „Kochen ist Krieg“, in dem Weber Profiköchen über die Schulter schaute, liegt mit „Feindberührung“ nun sein zweites Buch und sein erster Krimi vor.

Die Etikettierung des Buches mit „komplexe Handlung“ bietet sich an. Und die Bilder, die das 384-seitige Schwergewicht evoziert, spuken noch lange im Kopf herum. Es sind vor allem die Aktualität des Stoffes und die dokumentarischen Einsprengsel, die den Roman zu einem „politischen Buch“ machen, wie auch Betten Lenth-Geschäftsführer Dr. Peter Nagel in seinem Eröffnungswort bemerkte.

Bereits im Startkapitel wird der Lesende unvermittelt mit den aufwühlenden Erinnerungen des Soldaten Lars Rems, der sich in Afghanistan in einer physischen und psychischen Ausnahmesituation befindet, bekannt. Im Laufe dieses Feldeinsatzes wird der Mustersoldat durch eine Bombendetonation um beide Beine gebracht. Diese Feindberührung verändert sein Leben, denn nach der Rückkehr nach Deutschland verliert er den gesellschaftlichen Halt, die familiäre Bindung und zuletzt noch sein Leben durch einen brutalen Mordanschlag. Hauptkommissar Kurt Grewe und seine Kollegin Therese Svoboda ermitteln in einer unbekannt bleibenden Garnisonsstadt ohne eine heiße Spur und versuchen das Handlungsmotiv zu enträtseln. Rems Verbindungen zur Unterwelt lassen unterschiedliche Szenarien zu: Es gab Kontakte zu einem Rockerclub und in die Drogenszene. Die Ereignisse am Hindukusch wollen zunächst nicht so recht ins Ermittlungs-Mosaik passen und erst Kapitel für Kapitel kommen die fehlenden Steine hinzu, die ein Bild ergeben.

Das ist bei Weber alles minutiös recherchiert, durch Soldaten-Interviews abgesichert und mit Akribie packend erzählt. „Feindberührung“ ist kein Nachttisch-Krimi, dafür ist er zu aufwühlend. Schonungslos erzählt Weber darin über das Grauen eines Krieges, der in Deutschland lange keiner sein durfte. Sein Prosa ist sachlich und detailfreudig einem literarischen Realismus verpflichtet. Dies gilt auch für die Figurenpsyche, die Weber gerne und oft beschreibt. Dieser Schreibstil birgt jedoch die Gefahr eines Hyperrealismus und einer Überkonturierung des Erzählten, die dem Lesenden die kreative Mitarbeit abnimmt. Wer sich darauf einlässt, findet in „Feindberührung“ ein jargonsicheres Buch von einem gut beobachtenden Autoren, der eine hochaktuelle Kontroverse in seinem Krimi aufgreift. Literarisch versteht es Weber in weiten Teilen des Buches seine Figuren aus ihren sozialen Milieus heraus zu charakterisiert, ohne dass sie dadurch ihre Individualität verlieren. Sein Hauptkommissar Grewe ist dafür ein gutes Beispiel – ein Kriminalbeamter ohne echte Spürnase. Durch Eifer und Beharrlichkeit kann er dieses Handikap ausgleichen und wird so zu einem menschelnden Sympathieträger, dem auch schon einmal der Zufall nachhelfen darf ohne das der Lesende die Augen verdreht.

Mit einem aufbrausenden Schlußapplaus zeigte das 150-köpfige Gießener Publikum, dass der Roman auf Interesse stößt und seine Wirkung nicht verfehlt. Gregor Weber zumindest denkt schon über einen neuen Krimi mit Kurt Grewe nach.

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Zu Lebzeiten unvollendet: "Den Rest können Sie sich denken!"

F. W. Bernstein Ausstellung „Den Rest können sie sich denken!“ ist am vergangenen Freitag im Mathematikum eröffnet worden. Seit 1994 ist es nunmehr die achte Sonderausstellung im Zahlenkundemuseum, die sich künstlerischer Produktion widmet. Zu sehen sind Cartoons, Karikaturen und Bildgeschichten vom Zeichner und Lyriker Prof. Fritz Weigle (geb. 1938) alias F. W. Bernstein.

Wer die „Titanic“ kennt, kennt sicher diesen Namen. Seit den 1960er Jahren inspiriert F. W. Bernstein mit seiner komischen Kunst und Satire eine ganze Generation junger Zeichner. Gemeinsam mit Robert Gernhardt gab der zeichnende Störenfried der „Neuen Frankfurter Schule“ ihren satirischen Anstrich.

Leiter des Mathematikums Prof. Albrecht Beutelsbacher zeigte sich während seines Vernissage-Grußwortes erfreut, dass nun vierzig „Schätze“ den Besucher_Innen präsentiert werden können. Die direkte Verbindung von Mathematik und Bernsteins Kunst sei die Darstellung der „konkreten“ Gegenständlichkeit in „abstrakter“ Form, analysierte der Gießener Mathematiker.

40 Zeichnungen stellt das Mathematikum aus

Die eigentliche Überraschung des Abends war Laudator Leo Fischer, Chefredakteur des Satiremagazins „Titanic“. Nicht so sehr, dass er da war – dies war bereits dem Programm zu entnehmen, sondern wie er da war. In seiner Eröffnungswort-Parodie lobte er in unnachahmlicher Form seinen guten Freund Bernstein. Trotz „kleinerer Schwächen im Detail“ benotete er den „Wert der künstlerischen Arbeit“ mit „2+“. Dem emeritierten „Karikatur-Professor“ habe die „Titanic“ viel zu verdanken und nun wolle er mit seiner „zu langen und sachlich falschen“ Einführung dem „Altvorderen einen Klaps“ auf die Schulter geben. Dazu gehöre auch F. W. Bernsteins „körperliche Vorzüge“ zu rühmen und „Klatschgeschichten“ zu erzählen. Während ein Lächeln sein Gesicht umspielte, hob er hervor, dass die Kunst Bernsteins darin bestehe „fragil wie Espenlaub“ zu sein und „wo andere mit dem Hammer draufhauen, sind bei F. W. Bernstein Luftblasen“.

F.W. Bernstein und Leo Fischer

Nach dem stark bejubelten Leo Fischer bedankte sich F. W. Bernstein erwartungsgemäß in seiner anschließenden Dankesrede, nicht ohne zunächst sich nach dem Zwischenstand im Frankfurter Waldstadion zu erkundigen. Davon sichtlich begeistert, freute er sich auch, dass seine Zeichnungen, die dem Archiv des Caricatura Museum Frankfurt entnommen wurden, als „Dekoration“ zwischen mathematischen Exponaten Platz gefunden haben, obwohl ihnen dadurch gehörig die „Show“ gestohlen wird.

Chefredakteur der "Titanic" Leo Fischer führte in das Werk ein

Bernsteins komische Kunstwelt ist vielfältig, viele Arbeiten sind eher gezeichnete Essays. „Cartoons, Karikaturen und Bildgeschichten“ nennt das Mathematikum ihre Sammlung. Denn in der Tat entzieht sich die große Zahl der Blätter dem Karikatur-Genre. Anspielungsreiche Zeichnungen sind es, teilweise koloriert, mit bildimmanenten Texten und Verweise auf den vergangenen und heutigen Zeitgeist. Um diesen Geist zu entdecken, braucht man schon etwas Zeit – es lohnt sich, sich diese zu nehmen. Zu sehen ist raffinierte Kunst von einem scharfsinnigen Intellektuellen mit gesellschaftskritischem Engagment. „Den Rest können sie sich denken!“ hängt noch bis zum 20. November im Mathematikum und am 25. Oktober liest dort F. W. Bernstein seine Lyrik live.

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The Cure

Nach der Sommerpause ist das Keller Theatre mit fünf englischen Komödchen wieder da. Der Einakter-Abend „Student Life“ feierte am Freitagabend (16. September 2011) auf der „Kleinen Bühne“ Premiere. Bereits in dieser ersten Produktion pflegt das Keller Theatre, getreu dem diesjährigen Spielzeit-Motto „Same old same new!“, die Tradition: Bei der Auswahl der Stücke war der frühere Keller Theatre-Intendant (1989-1992) Scott Lahaie behilflich, der mittlerweile in North Carolina an der Gardner-Webb University Theaterwissenschaft unterrichtet. Die überwiegend im deutschen Sprachraum unbekannten Bühnenwerke sind alle 2-Personen-Stücke.

Los geht der Abend mit “Milking Success” von Chris Cragin Day. In dem wortreichen Kurzdrama kümmert sich Mitbewohner Jack (Markus Preuß) um den von einer künstlerischen Sinnkrise heimgesuchten Filmemacher Tom (Jan Hufnagel). Überraschend gelingt dies auf ganz andere Weise als zunächst zu erwarten war. In Gruppenarbeit wurde diese Komödie vom gesamten Ensemble in Szene gesetzt.

End of the road

Ein brisantes Thema kommt mit “Mistaken Identity” von Sharon E. Cooper auf die Bühne. So ganz nebenbei erfährt Steve (Gero Guttzeit) in einem Pub irgendwo in England das Kali (Shariya Dilini Algama) eine Frau liebt. Die Situation ist doppelt schwierig: Steve hat sich den Abend anders gewünscht und Kali gerät in Konflikt mit ihrer hinduistischen Herkunft. Regisseurin Rosemary Bock fragt nach den Grenzen des Privaten unter der Macht der gesellschaftlichen Normalität.

Mit dem Rollennamen Jenny, zeigt ihre Tochter, Annika Bock, dass man auch andauernder Intimität überdrüssig werden kann. In der Gemeinschaftsinszenierung des Ensembles von „End of the Road“ (Autor: Kelly Russell) kommen Jenny und Nick (Markus Preuß) im wahrsten Sinne des Wortes an das Ende ihrer gemeinsamen Reise – alle Orte gesehen, und einander nichts mehr zu sagen.

Chess Club

Einen ganz anderen Konflikt haben John (Lukas Magel) und Jenny (Johanna Lücker) in „The Cure“ von Steven Day. Er ist mit seinem Latein am Ende was die Unordnung seiner Mitbewohnerin Jenny (Johanna Lücker) angeht. Jana Dillmanns Inszenierung ist eine Hommage an die achtziger Jahre und ein Glanzpunkt des Abends.

Mit „Chess Club“ von Leon Kaye wird eine makaber-schöne Satire gezeigt. Die attraktive Reporterin Jane (Johanna Triebel) interviewt den letzten Überlebenden eines Flugabsturzes. Ohne Betroffenheitsklischees schrieb Kaye ein Stück in dem Hubert (Lucius Wack) detailverzückt vom Krankbett aus schildert, wie er seine Schach-Kumpels nacheinander aufaß. Michel Porep hat in seiner Inszenierung Hubert eine Nerdbrille und einen Krankhaus-Umhang gesteckt – ein überraschendes Ende gibt es auch.

Schlussapplaus

Allen Ensemblemitgliedern ist die Spielfreude sofort anzumerken – die fünf Ensemble-Neulinge unterstrichen diesen Eindruck. Manch eine Pointe bleibt dennoch der mangelnden Professionalität geschuldet unpointiert und der Stoffumsetzung fehlt ab und an etwas an szenischem Schwung. Johanna Lücker und Annika Bock hinterließen einen herausragenden Eindruck.

„Student Life“ wird an den nächsten Wochenenden sechsmal zur Aufführung kommen – am heutigen Freitag, den 23. September, geht es weiter. Einen Überblick über die Spielzeit 2011/12 des Keller Theatre gibt es unter: Keller Theatre Spielplan ist auch etwas für Non-Anglophile.

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Selbstzeugnisse

Plastiken der Häftlinge

Bereits zwei Jubiläumsausstellungen zum Projekt „Kunst im Strafvollzug“ hat es in Gießen gegeben: 2001 zum zwanzigsten und fünf Jahre später zum 25-jährigen Bestehen. Unter der Überschrift „Kunst im Knast“ wurde in den Räumen des KiZ (Kultur im Zentrum) am vergangenen Donnerstagabend (15. September 2011) eine Ausstellung zum 30. Geburtstags des Gefängnis-Kunstprojekts eröffnet. Zu der Vernissage kam eigens der Justizminister Jörg-Uwe Hahn aus Wiesbaden. Außerdem gehörte die Kulturdezernentin und Oberbürgermeisterin Dietlind Grabe-Bolz zu den Ehrengästen. Das Projekt, das seit 3 Jahrzehnten in der Justizvollzugsanstalt (JVA) Butzbach besteht, wurde durch Jörg Peter Linke, Leiter der Einrichtung, sowie der Projektleiterin Regina Börke vertreten. Auch Projektteilnehmer bzw. ehemalige Häftlinge, die jedoch anonym blieben, waren unter den Gästen. Die Redebeiträge zu der Eröffnungsfeier begannen mit 20-minütiger Verspätung und zunächst ohne den Justizminister, weil dieser aus Wiesbaden kommend im Berufsverkehr stecken blieb.

O.T., R. Ziegler, Farbstiftzeichnung, DinA2, 2009

Endlich da, betonte Jörg-Uwe Hahn, nun als letzter Redner, dass die Wichtigkeit kunstbezogener Resozialisierungsangebote kaum mehr in Frage stehe, und heute im Bereich Sport und Freizeit in den Haftanstalten verankert sei. Den möglichen Eindruck entgegentretend, die kunstpädagogischen Aktivitäten seien zur Zerstreuung der Häftling da, unterstrich der Minister die positiven Effekte die durch solcherlei Programme zur „Wiedereingliederung ins soziale Umfeld“ entstehen können.

Vordem hatte sich Haftanstaltsleiter Jörg Peter Linke in seine einleitenden Worten „außerordentlich beeindruckt“ angesichts der „Vielzahl der Gäste“ gezeigt. Und Dietlind Grabe-Bolz führte in ihrer Rede das hohe Publikumsinteresse auf die Anziehungskraft des ungewöhnlichen Kunstprojekts zurück, denn schließlich bringe „man nicht unbedingt Kunst und Knast miteinander in Verbindung“. Sie unterstrich außerdem, dass seit der Pilotphase im Jahre 1981 eine enge „personelle, wie inhaltliche“ Verbindung zu Gießener Bürgern bestehe. Hinweisend auf Prof. Hermann K. Ehmer von der Justus-Liebig-Universität, der das Projekt konzipiert hatte, würdigte sie die heute überwiegend ehrenamtliche Arbeit. Ausgebildete Kunstpädagogen, aber vor allem auch Studierende begleiteten seit 1981 kontinuierlich Insassengruppen aus der JVA, und zeigen damit „gesellschaftliches Engagement“.

Die Kunstprojekt-Leiterin Regina Börke erinnerte in ihrer gehaltvollen Einführung daran, dass es ein Insassenvertreter selbst war, der sich seinerzeit an den Gießener Professor wandte, und nach einem kunstpädagogischen Angebot fragte. Zur prägenden Leitidee des Kunstprojekts gehört seither, mithilfe der ästhetischen Praxis die kreativen Potentiale der Häftlinge zu fördern und erlebbar zu machen, um über eine „sinnvolle Freizeitgestaltung“ Selbstbefragungen zu initialisieren und zur Reflexion anzuregen. Zudem soll der Radius zur „Selbstdarstellung und Selbsterfahrung“ durch die künstlerische Gestaltung vergrößert werden.

Gaben sich die Ehre: Minister Jörg-Uwe Hahn; Dietlind Grabe-Bolz

Die derzeitige Ausstellung zeigt welche kaleidoskopische Gestaltungsvielfalt dies konkret nach sich ziehen kann: Zeichnungen mit Farbstift und Kuli, Acrylfarbe auf Leinwand, figürliche Plastiken, Video und fotographische Kunstwerke sind im KiZ versammelt. Neben Szenen und Beobachtungen aus dem Knastalltag (etwa Zellen-Ausschnitte, (teils imaginierte) Blicke aus Fenstern, Häftlinge bei ihrer handwerklichen Tätigkeit) sind es vor allem Arbeiten die das Innenleben zum Ausdruck bringen (Familienzeichnungen, Selbstportraits) – Anrührend, berührend und manchmal auch irritierend. Neben den freien Gestaltungen nehmen thematisch gerahmte Aufgaben (z.B. „Ich und andere“, „Doppelportraits“), die auch in Gruppen- und Partnerarbeit entstehen, einen großen Raum ein.

Viele Vernissage-Besucher

Über die praktische Arbeit in der JVA Butzbach informiert zudem ein reichbebildeter Katalog „Kunst im Knast 3“, der von der Gefangenenhilfe Butzbach e.V. herausgeben und finanziert wird. Es lohnt sich, den Katalog zu erwerben. Er gibt nicht nur dank des Beitrags von Prof. Marcel Baumgartner (Kunsthistoriker JLU) eine Einführung zum Thema „Knast und Kunst“, sondern schildert sehr direkt die Projekte vor Ort. Zudem sind Kommentare von Häftlingen abgedruckt, die die seelischen Befindlichkeiten dem Leser vor Augen führen können, wie etwa folgender Auszug aus den Notizen von Volker Engel:

„Beim Zeichnen fühle ich mich meinem Sohn auch hier in der Haft wesentlich näher. Außerdem gibt es mir eine gewisse Ruhe und die Möglichkeit, meine eigene Kreativität zu entdecken.“

Ansehen kann man sich die Ausstellung noch bis zum 30. Oktober 2011 im KiZ.

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Moderator Daniel Kopp mit einem großen Stapel Haiku

Als Begleitprogramm zur Ausstellung „1000 Blumen“ von Hiroyuki Masuyama gab es am Sonntagabend (11. September) einen  in japanischer Tradition stehenden „Haiku“-Abend in der Kunsthalle Gießen. So kam auch in die Lahnstadt was mittlerweile Menschen globusweit in Haiku-Treffen miteinander teilen: 3-Zeilen-Gedichte.

In ihrer Begrüßungsansprache bekannte sich die leitende Kuratorin Frau Dr. Ute Riese zu ihrer Haiku-Leidenschaft und freute sich, dass nun ein von ihr lang gehegter Wunsch nämlich ein Haiku-Treffen auszurichten, endlich Wirklichkeit wird. Das Haiku (gesprochen Hai / ku) ist eine im japanischen Sprachraum verwurzelte Gedichtform, die zu den kürzesten Exemplaren ihrer Gattung zählt und durch eine Reihe von Konstruktionsregeln gekennzeichnet ist. Charakteristisch ist ein dreizeiliger Aufbau mit einem 5-7-5 Silbenrhythmus. Hält man sich streng an die Konvention bezieht sich die erste Zeile auf eine Jahreszeit, entweder durch ein Zeitwortnennung oder eine entsprechendes Symbol oder Allegorie. Die zwei folgenden Zeilen sind den Schilderungen eines konkreten Bildes oder Natureindrucks vorbehalten, die in einer überraschenden Wendung gipfelt. Die jahrhundertealte Tradition lebt heute weltweit in geselligen Haiku-Treffen, bei denen zusammen gedichtet wird, fort.

Haiku-Treffen im abendlichen Halbkreis

Die inspirierende Wirkung eines solchen Wort-Happenings war am Sonntagabend in der Kunsthalle mit Händen zu greifen. Der professionelle Sprecher und Fernseh-Redakteur Daniel Kopp sorgte mit seiner freundlichen Moderation für eine respektvolle Atmosphäre. Nach einer knappen kulturhistorischen Einordnung und der Skizze der literaturtheoretischen Spezifika, stellte Daniel Kopp ausgewählte Haiku vor und bestärkte die Besucher, sich selbst einmal kreativ darin auszuprobieren. Bei einer Tasse Grünem Tee, die von Kunsthallen-Mitarbeiterinnen ausgeschenkt wurde, vertiefte sich schnell Einjede(r) ins Dichten.

40 Haiku kamen so innerhalb von einer knappen halben Stunde zusammen. Daniel Kopp trug sie alle mit viel Einfühlungsvermögen und mit samtweicher, wohlakzentuierender Stimme vor. Ab dieser Woche können auf der Homepage der Kunsthalle Gießen alle Haiku nachgelesen werden. Darunter auch folgender (nicht ganz mustergültiger) Versuch des hier schreibenden Autors:

Englisches Wetter
Es gießt hinab in Strömen
Ich sitzt vor 1000-Blumen.

Arigato!

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• Tim Berresheim und Markus Oehlen in der Kunsthalle Gießen – ein Nachtrag zur Vernissage